Salvados; crítica, compromís i rigor amanits amb un toc d'humor.

Si fa 10 anys et diguessin que un programa anomenat Salvados, que s'emet els diumenges per la nit, on el personatge principal és un tal "follonero" que és dedica a tractar temes de la societat espanyola, seria el programa referència per a plantar una crítica atrevida i necessària al món en que vivim, t'ho creuries? Difícil, oi?

Doncs bé, el programa dirigit per Jordi Évole, l'anomenat "follonero" s'ha convertit en un dels programes de la televisió actual on s'exposa la realitat social d'una manera més clara, directa i transparent. La fórmula és fàcil: Agafar un tema d'actualitat amb una certa polèmica social existent, tractar-lo amb diferents experts en la qüestió, entrevistar a afectats o implicats en la problemàtica, i fer tot això des d'un punt irònic, descarat i a la vegada seriós i atrevit que només el periodista, guionista i humorista català, nascut a Cornellà, sap fer.

Si bé existeixen altres tipus de programes televisius que miren d'informar a la població d'una manera àmplia i profunda, cap d'aquests aconsegueix arribar al públic amb la mateixa eficàcia amb que ho fa Salvados. La gran improvització del presentador i realitzador del programa permet,  en un joc d'entrevistes, elaborar preguntes compromeses, sempre amb una gran subtilesa acompanyada d'humor, que obliguen als entrevistats a mullar-se més en el tema i a deixar caure respostes que l'acaben comprometent cada cop més i  més i que donen confiança al "follonero" per a seguir "atacant" més a l'entrevistat allí on més mal fa.

A més, el programa presenta petites bromes satíriques, carregades d'intencionalitat, que sovint Jordi Évole té preparades per a l'implicat en el programa que acaben per introduir una temàtica carregada de contingut  d'una manera totalment innocent i transparent que fa que l'entrevistat sovint no pugui rebutjar. Aquests petits detalls el fan un programa diferent i alternatiu a la resta, i creen en l'audiència un interès extra per la temàtica tractada que no sabrien trobar en un programa convencional que tractés sobre el mateix.

Per exemple, en el vídeo adjunt, podem comprovar com s'atreveix a bromejar amb els dos candidats a ser presidents del govern, dies abans de les eleccions, amb bromes com la de les corbates o el seu propi currículum.

Finalment cal destacar també el gran treball reporter que es duu a terme en el programa. Els temes elegits sempre són compromesos amb la societat actual, sovint abandonats o poc aprofundits per la premsa quotidiana i de fàcil accés. Des de Salvados es tracta de treure a la llum els punts que més poden implicar a la societat, i en resum, als espectadors del programa i dóna una versió entenedora de la problemàtica que gira al voltant del tema en concret. No es tracta simplement d'informar, sinó que es mira de regalar una notícia amb tots els seus al·licients als espectadors per a que s'interessin i tinguin un criteri diferent i útil al que havien adquirit a través de les informacions donades a través dels mitjans de comunicació convencionals.

Sense dubte, un programa que podríem definir com a necessari en els temps que corren.

Genís Pena Ubieto
Periodisme.

Gracias por fumar. El poder de la palabra

"Michael Jordan juega a baloncesto. Charles Manson mata gente. Yo hablo. Todos tenemos un talento", Nick Naylor en la película Thank you for smoking (2005).

"No escondas la verdad, sólo fíltrala"

Siempre me ha parecido fascinante la facilidad de palabra, quizá porque considere que yo no tenga suficiente labia, y es en especial importante la dialéctica para los comunicadores actuales. La labor de comunicar tanto de periodistas como de publicistas radica en parte en el discurso oral para transmitir su mensaje. En el caso de los publicistas, el mensaje primordial es vender, y para vender, utilizan todo tipo de recursos junto con la imagen del producto determinado que pretenden vender al consumidor.


Pero, ¿qué pasa cuando el producto que se intenta vender es nocivo para la salud de los mismos consumidores? En el caso del tabaco, por ejemplo, ¿son las empresas tabaqueras responsables por las consecuencias nocivas de su producto, o por lo contrario son los propios consumidores quienes deben recibir la culpa por consumir un producto que consideran como nocivo? Esta cuestión se ve reflejada en la película estadounidense Thank you for smoking, estrenada en el año 2005 bajo la dirección del cineasta Jason Reitman, también conocido por otras películas como Juno (2007) o Up in the air (2009).

Basada en la novela homónima de mismo nombre, escrita por Christopher Buckley, la película en sí es una sátira sobre el consumo de tabaco, que actúa como excusa para tratar el tema de la publicidad en relación a este tipo de productos con mala imagen. Pero, en esencia, nos presenta el tema de la manipulación social y los métodos que son utilizados por algunas empresas, en este caso asociadas a las tabacaleras de Estados Unidos, con el objetivo principal de vender su producto: el tabaco.

Link a la web de IMDb con el Trailer:

Gracias por fumar

La película, nominada a los Globos de Oro durante el 2005 a la mejor película de la categoría "comedia o musical" obtuvo además buenas críticas por la participación del actor Aaron Eckhart, nominado también a los Globo de Oro como mejor actor de la misma categoría, al interpretar el papel principal del personaje ficticio Nick Naylor.

Aaron Eckhart en una escena de la película

Nick Naylor es un hombre con una gran capacidad para la dialectica y se basa en la persuasión para conseguir sus objetivos laborales. Trabaja como jefe de prensa y representante, ocupando el lugar de vicepresidente de la Academia de Estudios de Tabaco como encargado de comunicar los resultados de estos estudios, realizados sobre la relación entre el consumo de sus productos y las consecuencias que repercutan directamente en la salud de los consumidores. La Academia de Estudios de Tabaco está a su vez financiada por las grandes tabacaleras estadounidenses, por ese motivo como portavoz de las mismas, se encarga a su vez de defender los derechos de los fumadores con su labia y argumentos capaces de convencer a la sociedad de consumidores. Aunque debido a la mala imagen del producto que defiende, el protagonista también se debe enfrentar a los detractores del tabaco, representados por grupos de defensa de salud e incluso por el mismo gobierno de Estados Unidos en la figura del senador Finistirre, con William H. Macy interpretando el papel.


Definiéndose como un "mediador entre dos sectores de la sociedad que intentan llegar a un acuerdo", Nick Naylor hace uso del razonamiento en lugar de la negociación, ya que según él si se razona correctamente no existe ninguna posibilidad de equivocación, alegando a todo tipo de argumentos con tal de convencer y lograr su objetivo. Su trabajo consiste en tener razón, y en eso, Nick Naylor es el mejor. Mediante el poder de la palabra, hace creer a los consumidores y a la sociedad que el tabaco no es realmente nocivo, aunque así sea. Este hecho se ve demostrado a lo largo de la película, concretamente con escenas magistrales, como la del principio a modo de presentación, que se muestra en el siguiente vídeo.

Vídeo presentación: Cancer Boy

Aunque en un principio el protagonista pueda parecer adquirir el rol de antagonista, carente de moralidad, defendiendo el tabaco mientras intenta contrarrestar las acciones que provienen de sus detractores, cada vez que avanza la película descubrimos como aflora su verdadera integridad, una moralidad particular en un hombre que, como padre separado de su mujer y su hijo pequeño Joey, intentará pasar más tiempo con él aprovechando un viaje laboral a Nueva York en el que debido a varios sucesos se replanteará su propio razonamiento. El resultado de este acercamiento a su hijo y las conversaciones que se derivan de éste, nos enseñará que Nick Naylor en realidad no defiende al tabaco, sino que intenta cuestionar lo establecido basándose en la educación, cree firmemente en la libertad para escoger y defiende la representación que niega la sociedad. Y la forma de educar sobre el consumo de tabaco no pertenece a determinadas entidades, sino a los consumidores: conociéndose sus riesgos, es labor de padres o docentes educar a los niños, como Joey, para que tomen sus propias decisiones, que no pertenecen ni a las empresas tabacaleras que pretenden que se fume, ni a los grupos de defensa de salud que intentan que no se fume por todos los medios, u otras entidades como el gobierno. Sin embargo, sus métodos para convencer a la sociedad referentes a la dialéctica presentan una ligera relación con algunos de las características de la publicidad clásica, aún sin representar tanto la publicidad de marca como la de producto: Nick Naylor basa sus argumentos en destacar, filtrando la verdad, aquellos atributos que hagan atractivo el producto para los consumidores y alabar sus supuestos beneficios, dotándole de otros atributos deseables para la sociedad y partiendo como base el empleo de los estudios tabacaleros de la Academia de Estudios de Tabaco de la cual es vicepresidente, catalogándolos como "inconcluyentes". Y aunque no se centre en la marca del producto, además también comparte alguna característica con la publicidad moderna, al tener en cuenta otros factores de carácter más sociológico o psicológico durante sus discursos orales, más externos, que apelan al estilo de vida o a la misma sociedad.

Katie Holmes como periodista

Como contrapunto a Nick Naylor, entra en el transcurso de la acción el personaje de la periodista Heather Holloway, interpretada por Katie Holmes, que como contraste a las acciones del protagonista de la película, intentará descubrir la verdad sobre él y los motivos que lo llevan a realizar su trabajo, utilizando sus propios métodos para conseguir su objetivo laboral a nivel periodístico, poniendo finalmente en un gran aprieto a Nick Naylor. A pesar del peso de su personaje, que aporta una doble moral y un motivo de conflicto, la actuación de la actriz fue la menor aclamada por la crítica, que en cambio si alabó a un reparto excepcional compuesto por actores conocidos de la talla de Rob Lowe (como Jeff Megall) o Robert Duvall (como Doak Boykin), entre otros, que aportan un mayor atractivo a la película de Thank you for smoking.


Durante sus 92 minutos de duración, la película es compuesta en su mayoría por un sinfín de diálogos cínicos y cómicamente bien pensados, de carácter sarcástico, que se compaginan con la acción de la película y avanzan junto a ella de manera dinámica. Unida a la imagen del tabaco, cabe destacar que a pesar del tema polémico que trata la película, no se fuma de forma directa, mostrando solo el tabaco en alguna excepción como en los fragmentos de películas antiguas que hacen aparición. Este hecho irónico evidencia que la película y su director en realidad no se posicionan en ninguno de los dos bandos, simplemente exponen los hechos.


En definitiva, Thank you for smoking nos plantea una série de cuestiones que merecen la pena reflexionar. Con el fin de conseguir aumentar las ventas del producto por el cual trabaja Nick Naylor, además de utilizarlo como portavoz y representante, en beneficio a las empresas tabacaleras la película muestra la manipulación de la sociedad de diversas maneras:

"El escuadrón de la Muerte"

• Mediante la publicidad encubierta se intenta mostrar la publicidad de forma directa,  como se refleja en algunas de las conversaciones del "Escuadrón de la Muerte", un trío formado por Nick Naylor y dos trabajadores como él: Bobby Jay Bliss representando a la empresa armamentística y Polly Bailey a la del alcohol, interpretados por David Koechner y Maria Bello respectivamente. Ellos son los que debaten algunos métodos  para vender productos de mala imagen como el tabaco, las armas y el alcohol, con  la finalidad de convencer al consumidor, de persuadir, engañar: en definitiva, con el objetivo de manipular la sociedad. Destacan momentos irónicamente cómicos, como cuando debaten quién de los tres debería ser secuestrado por terroristas de grupos detractores de sus productos. El tema de la publicidad encubierta es tratado claramente por las empresas tabaqueras, como en la escena en la que se decide incorporar de nuevo el tabaco en la cinematografía para de alguna forma restaurar el "glamour" de éste, en función a la influencia que ejercen en la sociedad: por ejemplo pretenden que actores influyentes como Brad Pitt o Catherine Zeta-Jones sean vistos fumando en pantalla después de un acto sexual, para atraer a los consumidores de tabaco mediante la adición de otros atributos deseables, en este caso asociado al factor del sexo, como se hacía en el pasado con las películas antiguas. Se trata del product placement, método que pertenece a la publicidad postmoderna, de carácter más creativo y centrado básicamente en la forma de innovar. Aprovechando la influencia en la sociedad que pueden manejar tanto la cinematografía, la televisión e incluso nuevos medios como el videoclip, el product placement consiste en el uso de marcas y productos determinados en películas o series televisadas para patrocinar el producto mediante los mayores medios de difusión posibles. Un ejemplo diferente de este tipo de publicidad encubierta se hace evidente en la película de 1998 protagonizada por Jim Carrey, The Truman's Show, que hace una crítica a la sociedad de consumidores introduciendo publicidad encubierta como una atributo más que complemente a la acción de su película.

Vídeo: "Fumar mola"

• Mediante los medios de comunicación como la televisión o la prensa periodística, considerados como algunos de los mayores medios de difusión de la información actuales, que actúan como influencias directas para la sociedad y en la película son utilizados tanto por el protagonista como por sus detractores: los grupos de defensa de la salud en la escena mostrada en el primer vídeo de esta entrada es un claro ejemplo, en que programas como los Talk Show plantean y exponen un debate sobre un tema polémico como el tabaco para intentar convencer a la sociedad del riesgo de fumar, o las campañas que este tipo de grupos crean, presentando una elaborada campaña contra el tabaco que por ejemplo consista en marcar con una calavera y la palabra "veneno" los paquetes de tabaco, recordando a los consumidores ya concienciados sobre las sustancias venenosas que contienen y pueden resultar mortales para ellos; y por la periodista Heather Holloway y el senador Finistirre, quiénes intentan desacreditar a Nick Naylor de forma pública. La capacidad de palabra del protagonista es esencial para conseguir tener la razón ante las improvisadas adversidades, mostrando sus razonamientos de defensa frente a una sociedad consumista y para ello, Nick Naylor acude a programas de televisión para así poder afrontar a sus detractores y desacreditar públicamente a sus desacreditadores. Otro tema aparte pero que mantiene cierta relación con la manipulación de la sociedad es el uso que se hace de la información, por ejemplo en una escena puntual de la película se muestra que en algunos casos llega a ser silenciada con sobornos, reflejado en el personaje del primer hombre Marboro, Jorne Lutch, que es interpretado por Sam Elliott. Sin embargo, como he mencionado anteriormente, el director ha dirigido la película centrándose en solo exponer los hechos y sin posicionarse, dando paso a la reflexión. 

Vídeo: Hombre Marboro

Teniendo todo esto en cuenta, ¿hay que creerse todo lo que nos dicen? Queda demostrado que en Thank you for smoking no importa si lo que se dice es realmente verdad o no, sino que la publicidad postmoderna se basa en cómo comunicar un mensaje lúdico para cumplir un objetivo: vender el producto a los consumidores. Y la publicidad consiste esencialmente en eso, en vender. Así de sencillo, aunque para llegar a ella utilicen métodos de forma complicada y sutilmente impactante, ya que este de publicidad postmoderna se opone a la publicidad clásica naciendo durante la década de los 70 como una publicidad muy persuasiva, en donde adquiere mucha más importancia la forma que el contenido de la misma.

Cartel promocional

Cabe destacar que la película también nos deja entrever los entresijos de la manipulación social que ejercen las empresas tabacaleras para que los consumidores no sepan realmente la verdad sobre sus productos, añadiéndole el factor del personaje de Heather Holloway que como comunicadora intenta esclarecer el asunto del tabaco e informar a la sociedad en base a su trabajo periodístico, sacando todo lo que es capaz de descubrir a la luz. Pero también se centra en el lado contrario del enfoque, en cómo los grupos de defensa de salud igualmente se aprovechan de esta manipulación social, alterando y falseando la realidad para hacer más efectivo su mensaje en contra del tabaco, aumentando así la conciencia que imponen y establecen en la sociedad. 

A pesar de que Thank you for smoking es recomendable tanto para los fumadores como para los que estén en contra del tabaco, la pregunta principal que se plantea una vez visionada la película es:


¿TODO VALE PARA VENDER?

Cristina Cid Rodríguez
1r Grado de Periodismo

Pushing Daisies, collage estilístic

Pushing Daisies és una sèrie creada per Bryan Fuller (Death Like Me, Wonderfalls, Heroes).

Es tracta d'una innocent comèdia dramàtica considerada per molts un conte de fades forense.

Ned, protagonista de Pushing Daisies

Chuck Charles

La trama de Pushing Daisies es desenvolupa al voltant del poder sobrenatural de Ned, protagonista de la sèrie, que és capaç de ressucitar els morts mitjançant el contacte físic. Com tots sabem, però, tot poder té un preu: si no remata la persona a qui ha tornat la vida abans que passi un minut, algú proper morirà a l'atzar. I no tot s'acaba aquí: en cas que decideixi recuperar la vida d'algú per sempre, n'haurà d'evitar el contacte físic eternament. És per aquest motiu que els dos éssers a qui més estima esdevenen intocables: Digby, el seu gos, i Chuck, el seu amor d'infància, amb qui viurà una història d'amor d'allò més surrealista. 

Olive Snook

Emerson Cod

Ned és l'amo d'una pastisseria anomenada The Pie Hole, on hi treballa de cambrera Olive Snook, que està bojament enamorada del protagonista. Aquest personatge dota la sèrie de moments còmics, a més d'exagerar el romanticisme cursi i l'estètica plàstica que caracteritza la història. I això no és tot: Olive també introdueix a la sèrie moments musicals que accentuen aquesta trama ensucrada i fantasiosa.

A més de dedicar-se a la reposteria, Ned forma societat amb Emerson Cod, detectiu que investiga casos d'assessinat amb l'ajuda imprescindible i determinant del seu soci. La utilització del poder de Ned com una eina de treball per descobrir el mòbil dels crims més inverosímils que es puguin imaginar fa que la sèrie adquireixi també un estil detectivesc.

La conducció del fil narratiu la duu a terme un narrador extern, que fins i tot es permet el luxe, en alguns casos, d'interrompre les accions dels personatges, fet que accentua la fluïdesa de la sèrie.

Aquesta producció de Warner Bross es caracteritza, més que per un estil definit, per una estètica impecable i molt treballada construïda a partir d'un collage d'estils on l'estètica pròpia de Tim Burton hi és present constantment: el sofriment dels personatges, per exemple, és inexistent; els protagonistes de la història aprenen a acceptar les rareses i els obstacles de la vida, de forma que allò anormal acaba sent normal, al més pur estil burtonià.

D'altra banda, la sèrie també fa ressò de l'estil poètic i delicat de Jean-Pierre Jeunet: els jocs de paraules i les frases dels personatges em permeten dir que el llenguatge utilitzat capítol rere capítol pot presumir d'una trama molt elaborada.

Pushing Daisies és, doncs, una sèrie trencadora, tot i que no inventa res nou. Es tracta d'una producció imaginativa i fantasiosa, romàntica i surrealista, misteriosa i espiritual, absurda i totalment fora del que és habitual que ens trasllada a mons increïbles.

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Ona Gibert Montalà
1r curs de Publicitat i Relacions Públiques

WONG KAR-WAI. 2004

Podriem dir que aquesta obra, és la síntesis de l’univers temàtic i formal del director.

A 2046, trobem diversos elements en comú pel que fa a la seva filmografia, i és que aquest film, es considera la tercera part d’una triologia formada per Happy Together i In the mood for love .Tot i que  2046 funciona per sí mateixa, és recomanable haver-les vist per a poder fer una lectura global de l’obra. Ja que lluny de ser una simple continuació, 2046 és com una cara més, del prisma que forma la història que vèiem a In the Mood For Love, reformulant el gènere melodramàtic d’un mode més abstracte i sota una visió clarament subjectiva.
La narració es fragmenta en 4 històries, que entren unes dins les altres, de manera que la seva lectura pot resultar laberíntica. Lluny de seguir una estructura lineal, el director juga amb una estructura aparentment caòtica atorgant a l’espectador el poder de llegir  i ordenar els capítols atorgant-li així un paper actiu dins l’obra.

Temàticament els films aborden la temporalitat i les relacions amoroses de manera diferent, però a tota la triologia es respira un ambient de solitud, contradiccions i nostàlgia. A 2046, el director es centra en mostrar la impossibilitat d’estimar. Wong Kar-Wai dibuixa els personatges solitaris, els presenta com antiherois atrapats en temps passats o futurs, tenyint de nostàlgia el present a base de records de manera fins i tot obsessiva.

Pel que fa a l’estètica  s’observa la saturació cromàtica portada a l’extrem, canvis de color, estilització i  artificialitat de les escenografies, influències del pop, ambients urbans avigarrats , clarobscurs i poca o nul·la utilització de llum natural.

El vestuari i maquillatge  es tracten d’una manera molt curosa acord amb l’atmosfera creada per l’escenografia i la banda sonora tant la diegètica com la no diegètica, resulta clau per a reforçar    l'aspecte poètic que empra el director.

També en  la forma, observem que s'empren càmeres en mà, efectes ralentits i càmeres ràpides, desenfocaments, enquadraments que dónen a l’espectador una sensació voyeuresca. A més d’introduir veu en off i imatges documentals intercalades per a fer referència històrica dins l’espai diegètic. Però una de les claus narratives de 2046 radica en la utilització reiterada del "Fora de Camp", les elipcis i els llargs silencis.

Blade Runner, Ridley Scott 1982

2046

Resulta interessant el joc temporal que utilitza el director, creant alter egos dels personatges protagonistes dins la hipertextualitat del film, que recorda el ciberpunk, tant estèticament com temàticament, potser per això en molts àmbits, 2046 és catalogada de ciència-ficció quan el que realment és una revisió o deconstrucció del gènere romàntic melodramàtic.

Resumint tot el comentat fins ara, pot afirmar-se que l’eclecticisme de  2046  on entre d’altres podem apreciar les influències de Resnais,Truffaut, Godard, Bresson o Antonioni  resulta un collage d’una riquesa visual i sensorial extraordinària que podriem denominar com una Nouvelle Vague Postmodernista amb tocs orientals.

 PD: Aquí us deixo un link on podreu veure la peli. Si la podeu aconseguir en V.O.S.E. no cal dir que millor que millor!
                                    https://www.youtube-nocookie.com/embed/L66AgXxeZJw

Ester Sánchez Llauradó.

El nostre nou idioma és la remescla.

Endinsant-me cada cop més en l’àmbit de la comunicació audiovisual -tan acadèmicament com personalment- i  veient productes audiovisuals com la pel·lícula-documental “Rip!: A remix manifesto” és com me n’adono de la potent era tecnològica en què vivim, i en com tot canvi tecnològic comporta noves maneres d’entendre el que ens envolta.    

“Rip!: A remix Manifesto” és una producció postmoderna amb un estil fresc, original i una postproducció molt elaborada, de l'any 2009, que parla sobre el polèmic i conegut dilema dels drets d’autor (el copyright ©), basant-se en la situació actual de la indústria musical i a la vegada ampliant el concepte a qualsevol tipus d’Art, de creació, en general dins la societat. Fins i tot també enllaça el debat dels drets d’autor en l’àmbit de la ciència i les seves patents; l’economia i el sistema de mercat establert; la política i les lleis que condicionen el seu ús –penalitzant exageradament el seu abús-.  

 Brett Gaylor és el director canadenc que produeix i participa en aquest documental.  Un documental considerat de la modalitat performativa ja que segueix la dinàmica d’altres documentals com “Super Size Me” (Morgan Spurlock, 2004)  o “Roger& Me” (Michael Moore, 1989) en què el director participa activament en la realització i el transcurs del reportatge, de manera directa.

Manté una tècnica semblant als documentals anteriorment anomenats ja que tots tres es basen en la protesta i la crítica reivindicativa en contra d’una empresa que controla cert àmbit del mercat social. Com també, comparteixen el crit inicial sorgit  de la veu de l’experiència de cada director. És més, la pel·lícula gira entorn del propi cineasta. Brett Gaylor, per exemple, per entendre el motiu de fer aquest documental  ens comença explicant que va criar-se en una petita illa en la costa occidental de Canadà, els seus pares intentaven allunyar-se del món de manera que estava incomunicat de la resta de societats. I va ser gràcies al desenvolupament d’Internet que va poder obtenir una visió més àmplia de tot. Potser els més acostumats a Internet des de ben petits no som conscients de la gran eina que significa, però per a Gaylor i aquella generació Internet, més que un avanç tecnològic, va implicar un canvi radical dels costums socials aportant moltes facilitats a l’hora de compartir informació i comunicar idees a milions de persones a través dels ordinadors.  D’aquí sorgí l’actual generació experta en els mitjans de comunicació, capaç de descarregar la cultura del món i transformar-la en alguna cosa contemporània i diferent. És per això que el nostre nou idioma és la remescla. 

 

Brett Gaylor centra el dilema en la música i la indústria discogràfica. Ja que “havent persones que considerin criminal el meu artista preferit – Gregg Michael Gillis amb el nom artístic Girl Talk- va ser raó per la qual vaig creure necessari fer aquesta pel·lícula”. Aquest artista modern basa les seves remescles –o mash-ups- en alteracions i reordenaments de peces de cançons ja existents.

Es resumeix la trajectòria de la indústria de la música -des de la ontologia de les cançons tradicionals creades en els camps de blat americans fins a la coneguda remescla digital i moderna- i es presenten clars exemples en què es demostra que la indústria musical segeix mantenint unes pautes cada cop més anacròniques i inadaptades a les societats modernes, es nega a evolucionar i ho haurem de fer nosaltres per ella. 

Durant el reportatge intenten contactar amb el director dels drets d’autor i parlen amb un dels millors advocats dels EEUU professional d’aquest tema, però tot i defensar la innocència i la creativitat de Girl Talk, arriben a la conclusió de la il·legalitat de tals creacions, fins i tot també sentencien que ho és aquesta mateixa pel·lícula-documental. Actualment, però, està publicada sota la llicència de Creative Commons BY-NC. I s’ha de destacar que des del primer dia, “Rip!: a remix manifesto” ha estat un experiment col·laboratiu, ja que el cineasta i ciberactivista Brett compartia tot el material sense editar a través de http://www.opensourcecinema.org/, per tal que qualsevol usuari el pogués remesclar. D’aquesta forma les remescles es van convertir en una part integral del projecte, simbolitzant un real model de pel·lícula mash-up. 

 

En el documental apareix com a testimoni el fundador de Creative Commons, Lawrence Lessig, adoptant una figura imprescindible, ja que és l’autor dels quatre punts del manifest en què es basa el missatge del film: 

1.    La cultura es construeix a partir del passat  

2.    El passat sempre intenta controlar el futur

3.    El nostre futur està perdent la seva llibertat  

4.    Per a construir societats lliures, hem de limitar el control del passat.   

Trobo que la reflexió que realment es vol aconseguir és qüestionar-nos el concepte de coneixement que tenim i de com el construïm, amb quina tècnica. Aquestes quatre idees, per exemple, es podrien englobar dins de tècniques contemporànies com el reciclatge, el collage, la remescla musical, el found footage i de més. De fet, més aviat no parlariem tant de creació sinó de transformació de bases ja existents. I és que el missatge va més enllà, proposa una manera saludable i solidària d'entendre l'essència del domini públic -actualment si algú vol fer art a partir de domini públic ha de buscar obres anteriors a 1923- a la vegada que critica plenament el sistema capitalista en què vivim -i les empreses que el representen, sobretot s'anomena a Disney i Warner/Chappell- i la limitació que aquest ens comporta, ja que ens condiciona la nostra visió del terme cultura, atribuint-li malauradament un significat basat en la indústria comercial, en l'ambició d'aconseguir diner, lluny de l'ànim de lucre i de l'amor per l'Art.

Considero imprescindible tenir present aquest documental davant el panorama global i actual estretament relacionat amb els drets d'autor i el dret informàtic -posant per cas la gran repercussió del tancament de Megaupload el 19 de Gener d'aquest 2012- lligat també a la reivindicació de la llibertat d'expressió -cada vegada més censurada i controlada- i la democràcia necessària per aprendre uns dels altres.

Com bé defensa el cantant, compositor i ministre de cultura de Brasil Gilberto Gil en el tram final del documental: 

"Sempre busquem la manera de donar a la gent, de donar oportunitats d'accés als joves. El compartir és la naturalesa de la creació. L'aïllament no afavoreix la creació. Ningú crea res del no res. Tot sorgeix d'alguna altra cosa creada amb anterioritat. És una cadena de reacció. És així amb la música, la literatura i el cine. Quantes persones han tingut abans una càmera a les mans per tal que tu puguis dur a terme aquesta pel·lícula?"

Aquest ja no és un món de consumidors passius. Aquesta era ja ha acabat. Aquest món està fet de col·laboradors. Podem crear, compartir, podem canviar lleis, podem actuar.

Àngela Balcells Gol

Comunicació Audiovisual

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Si teniu curiositat per veure "Rip!: A remix manifest" subtitulat en espanyol:

¿Grandes artistas o creadores simples y sobrevalorados?

¿Grandes artistas o creadores simples y sobrevalorados?

Wassily Kandisnky (1866-1944) fue un pintor ruso que es considerado el creador del arte abstracto. El autor abandonó la carrera de derecho para dedicarse al arte y llegó a la abstracción entre 1910 y 1913, cuando creó una acuarela abstracta. Kandinsky recibió un gran número de reconocimientos académicos desde el primer momento y pintó una gran cantidad de obras abstractas. El pintor pretendía, con el abstraccionismo, despertar emociones mediante las líneas y los colores de las obras. Titulaba sus obras según las tres categorías: Impresión, Improvisación y Composición.

 

La primera está compuesta por aquellas obras en que captaba la impresión de la naturaleza. La siguiente categoría son las obras que representan sus emociones, que pinta de forma improvisada.  La última está constituida por los sentimientos, aunque en esta ocasión, el autor medita la forma de expresión. Algunas de sus obras principales son las siguientes: Composición IV, Composición VI y, la ya mencionada, Primera acuarela abstracta.

El segundo autor del que se hablará es Kazimir Malevich. Este autor fue el fundador de un movimiento vanguardista situado en el interior del abstraccionismo: el Suprematismo. Estaba basado en la utilización de formas geométricas simples, como el círculo y el cuadrado, y una gama cromática muy reducida. Era un movimiento que, junto al Constructivismo y el Neoplasticismo, se decantaban por el uso de formas geométricas en la abstracción.

Malevich muestra en sus obras una gran simpleza con el uso de pocas formas, siempre clásicas, y el uso de poca diversidad de colores. Un ejemplo de ello es la obra Cuadrado rojo y cuadrado negro, en la que se pueden apreciar sus características claramente.

Estos artistas abstractos son reconocidos como tal, pero siempre han sido polémicas sus obras. Esto es por la simpleza, y porque se suelen ver simplemente las imágenes sin tener en cuenta las emociones o sentimientos que suscite cada obra. Para aquellas personas que estudian historia del arte, estos autores y las obras son tan válidos como el resto, pero existe el debate abierto acerca de las obras abstractas.

Generalmente, las personas que no se interesan por el arte opinan que este tipo de arte es muy fácil. Esto puede ser porque se le compara con el arte figurativo, o porque únicamente se fijan en las formas de la obra.

En mi opinión, no se debe de caer en el error de comparar las obras de ambos géneros (figurativo y abstracto), ya que es preciso tener en cuenta aspectos distintos para valorar cada tipología de obras. Como ya se ha mencionado, en las obras abstractas lo realmente importante son los sentimientos y sensaciones que se suscitan, y no el afán de imitar la realidad.

Javier Medina Rada

Periodismo

El "fenómeno Grease"

En 1978 vio la luz una película dirigida por Randal Kleiser y protagonizada por John Travolta y Olivia Newton-John. Estaba basada en los años 50 y causó una gran sensación al ser una mezcla entre historia y musical. A día de hoy sigue siendo película de sábado por la tarde en televisión y un éxito el musical basado en ella.

El secreto del éxito de la película estuvo en que contenía todos los tópicos necesarios para que una película triunfara; tales como un amor que parece imposible y por el que hay que "luchar", el Rock & Roll, descapotable y cine al aire libre, hamburguesas y batidos...estos la convierten en parte del cine clásico y muchos de ellos siguen estando entre nosotros. 

A esto último hay que sumarle por supuesto lo que fue la guinda para que causara tal furor, la parte musical con canciones excelentes como Summer Nights, Sandy, You are the one that I want que fueron interpretadas de manera espectacular por los actores.

Obviamente no sería considerada fenómeno sino hubiese y siguiera generando grandes beneficios económicos.  Con su estreno en cines recaudó 340 millones de dólares, y a eso hay que sumarle los más de 20 millones de copias que se vendieron de la banda sonora, la también gran suma de su reestreno por su 25 aniversario y las ventas de las diversas ediciones que se han sacado en distintos formatos.

Teresa Sánchez Martínez

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